歌剧是谁发明的（歌剧的创始人）

今天给各位分享歌剧是谁发明的的知识，其中也会对歌剧的创始人进行解释，如果能碰巧解决你现在面临的问题，别忘了关注本站，现在开始吧！

文章目录：

• 1、喜歌剧是由哪国人发明的？
• 2、歌剧的发展历程
• 3、谁知道什么是歌剧？
• 4、听歌剧的常识
• 5、西方音乐史上最早的歌剧是哪一部？

喜歌剧是由哪国人发明的？

意大利

16世纪末，意大利佛罗伦萨的一批热衷于文艺复兴、古希腊与古罗马文液野学艺术的专家学者，在研究发掘和重创古希腊悲剧诗歌的古老方法上，加入创意，将诗歌、音乐和戏剧结合起来，尝试创作了一些生动的音乐戏剧艺术小品，并在一些场合进行演出《天上的玫瑰》。

成为歌剧史上第一部代表性作品，它和佩里创作的歌剧《尤丽迪西》取材于同一个故事，脚本由诗人斯特里乔创作。

扩展资料

创作背景：

18世纪，在意大利正歌剧处于衰退状态时，出现了另一种歌剧形式——喜歌剧（opera buffa）。喜歌剧的初期形式是“幕间剧”。

在正歌剧两幕之间闹郑喊穿插演出，内容与正歌剧没有联系，常以风趣、幽默的恶作剧形丛正式进行表演的一种短小剧目。18世纪下半叶，幕间剧逐渐脱离正歌剧，发展成为喜歌剧。佩尔格莱西的《女仆作夫人》是第一部意大利喜歌剧。

歌剧的发展历程

歌剧（opera）是将音乐（声乐与器乐）、戏剧（剧本与表演）、文学（诗歌）、舞蹈（民间舞与芭蕾）、舞台美术等融为一体的综合性艺术，通常由咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、序曲、间奏曲、舞蹈场面等组成（有时也用说白和朗诵)。

早在古希腊的戏剧中，就有合唱队的伴唱，有些朗诵甚至也以歌唱的形式出现；中世纪以宗教故事为题材，宣扬宗教观点的神迹剧等亦香火缭绕，持续不断。

但真正称得上“音乐的戏剧”的近代西洋歌剧，却是16世纪末、17世纪初，随着文艺复兴时期音乐文化的世俗化而应运产生的。

歌剧被视为西方经典音乐传统的一部分，因此和经典音乐一样，流行程度不及当代流行音乐，而近代的音乐剧被视为歌剧的现代版本。

意大利歌剧的主流一直是正歌剧，直至格鲁克在1760年代推出的“革新歌剧”，以对抗正歌剧的矫揉造作。

而今天依然著名的18世纪歌剧巨匠，显然是莫札特。

莫札特少年时先以正歌剧起家，既而以意大利语胡乎喜歌剧，风行各地粗做州，尤以《费加罗的婚礼》、《唐·乔望尼》和《女人皆如此》为人称颂。

而莫氏倒数第二部歌剧《魔笛》(最后一部为狄多王的仁慈)，更是德语歌剧的指标性作品。

19世纪初期是美声（bel canto）风格歌剧的高峰期，风行当时的罗西尼、多尼采蒂和贝利尼等人的歌剧，时至今日，依然常见于舞台。

与此同时，贾科莫·梅耶贝尔的歌剧作品则成为了法式大歌剧（Grand Opera）的典范，并风行全法。

19世纪中后叶则被誉为歌剧的“黄金时期”，其中理查德·瓦格纳和朱塞佩·威尔第在德国和意大利各领 *** 。

而黄金时期过后的20世纪初，西欧歌剧继续演变出不同风格，如意大利的写实主义（veri *** o）和法国的当代歌剧，和及后贾科莫·普契尼和理查德·施特劳斯的作品。

而在整个19世纪，在中东欧地区，尤其是俄罗斯和波希米亚，国民乐派的崛起造就了当地和西欧平行发展的歌剧作品。

整个20世纪，现代风格元素常被尝试混入歌剧当中，如阿诺德·勋伯格和阿尔班·贝尔格的无调性手法和十二音阶作曲法，以伊戈尔·斯特拉文斯基为代表的新古典主义音乐和菲利普·格拉斯和约翰·亚当斯的简约音乐。

随著录音技术的改善，像恩里科·卡鲁索等歌岩蔽手成为歌剧圈外人士所知的名字。

随着20世纪科技的进步，歌剧也会在电台和电视上播放，也出现了为广播媒体而写的歌剧。

歌剧在西方语言的代表字Opera来源于拉丁语“作品”的复数形式（Opus, Opera），后经意大利文推广至其他欧洲语言，顾名思义歌剧原意不单单包括舞台上的独唱、重唱和合唱，也包括对白、表演和舞蹈。

16世纪末，在意大利的佛罗伦萨有一群人文主义学者组成了“卡梅拉塔同好社”（Camerata）的团体，以复兴古希腊的舞台表演艺术。

他们相信古希腊的戏剧中的“合颂”部分实际上是合唱部分，甚至有人认为古希腊的戏剧实际上就和今天的歌剧一样，全部剧情皆以歌曲交代。

因此当现知历史上第一部歌剧，由雅各布·佩里（Jacopo Peri）作曲，取材自古希腊神话的《达芙尼（Dafne）》于1597年首演时，风评一片赞好，皆认为“成功复活了古希腊的戏剧精神”。

但《达芙尼》最终不幸失传，但佩里的另一套首演于1600年的歌剧《尤丽狄茜（Euridice）》至今仍偶有排演。

但今天歌剧界最古老的标准保留剧目的歌剧，当数1607年首演于曼都瓦宫廷的克劳迪奥·蒙泰韦尔迪作品，《奥菲欧（L'Orfeo）》。

歌剧的起源最早可追溯到古希腊时期的悲剧，这种艺术形式是歌剧艺术产生的根源。

中世纪时期的一些音乐形式也为歌剧的产生奠定了基础。

首先是10世纪末的宗教剧，后来宗教剧被神秘剧（Mystery）和奇迹剧（Miracles）取代，盛行于14—16世纪；其次是田园剧，这种体裁用音乐、诗歌、戏剧的手段表现乡村生活的场景，它一直盛行到16世纪，成为歌剧的重要起源之一。

文艺复兴时期的牧歌剧也预示着歌剧的诞生。

作曲家用牧歌这一体裁形式来谱写诗歌中一些戏剧性场面，或用一组牧歌来描写一些简单的故事情节，后一种形式被称为牧歌剧。

歌剧最直接的起源是15世纪末的幕间剧（Intermedio）。

这是穿插在当时喜剧各幕间的一些寓言剧、神话剧或田园剧，到16世纪，各幕之间的幕间剧在情节上组成了一个相关联的故事，并且加入了装饰性的旋律和简单的和声伴奏。

歌剧于16世纪末最终产生于意大利的佛罗伦萨。

当时，一群文化艺术界的名人经常在贵族巴尔第（Bardi）和柯尔西（Corsi）家聚会，他们热衷于恢复古希腊的戏剧，力图创造出一种诗歌与音乐相结合的生动艺术。

他们认为复调艺术破坏歌词意义的表达，主张采用单声部旋律，并且在实践中发现：在和声伴奏下自由吟唱的音调不但可以用在同一首诗歌中，还可以用于整部戏剧中。

随后就产生了最早的歌剧，当时称为田园剧。

意大利早期歌剧的发展及特征

佛罗伦萨歌剧

1. 第一部歌剧：是1597年上演，由利努契尼写剧本、佩里作曲的《达芙妮》（Dafne），由于该作品的乐谱只剩下残片，所以人们通常又把1600年上演，保留完整的，由利努契尼写脚本，佩里和卡契尼作曲的《优丽狄玺》（Euridice）作为最早的一部歌剧。

2. 早期歌剧的特征：脚本以希腊神话为基础，后来又加入历史题材。

音乐部分采用通奏低音形式，歌唱部分主要为吟唱的宣叙调形式，音域不宽，节奏自由，有少量的乐器伴奏，也使用合唱。

罗马歌剧

1. 代表人物及作品：罗马作曲家卡瓦莱里（E.Cavalieri，约1550—1602）创作的《灵与肉的体现》（La rappresentazione di Anima，edi Corpo）于1600年2月上演，该剧为罗马歌剧奠定了基础。

《灵与肉的体现》实际上被史学界视为清唱剧，具有歌剧的雏形，内容涉及宗教道德方面。

2. 特征：注重歌剧场面的壮观给人带来的愉悦，加入了华丽的舞台设计、机关布景和芭蕾场面，每幕都以合唱和舞蹈结束。

威尼斯歌剧

1. 第一个歌剧院的建立：1637年在威尼斯建立的第一个歌剧院——圣卡西亚诺，是歌剧从贵族沙龙和宫廷走向市民阶层。

蒙特威尔第1617年担任指挥，创作了《于里斯还乡记》 。

2. 代表人物及作品：1607年，威尼斯歌剧作家蒙特威尔第完成了歌剧《奥菲欧》的创作，歌剧题材与利努契尼的《优丽狄茜》相似。

在剧中，蒙特威尔第凭借他在牧歌和宗教音乐创作方面的丰富经验，结合运用16世纪的音乐宝库中的各种手段，使《奥菲欧》成为歌剧史上第一部真正意义上的歌剧。

3. 特点：在歌剧中大量运用咏叹调和二重唱，注重情感抒发，对美声唱法加以重视，很少用合唱形式，弦乐器家族首次占有重要地位，由此加强了音乐的表现力。

运用不协和音程和拨弦、震音等新的音乐表现形式。

那不勒斯歌剧

1. 朝正歌剧方向发展：那不勒斯是意大利歌剧发展的最后一个城市，始于17世纪末，至18世纪定型为正歌剧（Opera seria），这种歌剧的影响力一直延伸到了19世纪。

它常以虚构的历史或英雄事迹为题材，而且由于对美声的追求，使那些既具有男性的强有力肺活量又带有女性柔美明亮音色的“阉人”歌手盛行起来。

2. 代表人物及作品：那不勒斯乐派代表人物A.斯卡拉蒂（Alemandro Scarlati，1660—1725）在声乐抒情调的基础上创作自由发展的咏叹调（aria），给予美声演唱以广阔施展的天地。

代表作为《泰奥多拉》。

3. 特点（也是正歌剧的特点）：

1） 在内容上：多取材于古代神话和历史传说，内容严肃，与喜剧相对。

2） 在结构形式上：由原先的五幕歌剧变为紧凑的三幕结构，常在幕与幕之间穿插喜剧性的幕间剧（Intremezzo，在舞台口表演）。

由极具个性的序曲（快—慢—快的三段形式）开场，宣叙调和返始咏叹调交替进行，极少使用重唱和合唱，也不用舞蹈。

3） 两种不同的宣叙调：一种是干念式的宣叙调，用于较长的对白或独白，独唱声部只用通奏低音伴奏；另一种是带伴奏的宣叙调，它善于表达复杂的情感，同时也在戏剧性的紧张场景中使用，独唱由乐队伴奏。

4） 返始咏叹调：这种咏叹调是ABA三段体形式，作曲家通常不再把再现的A段写出，而只在B段的结尾处标记da capo，意为从头反复，故作“返始”之意，并在结尾处标记Fine（意为结束）。

在罗马影响最大的是以亚?斯卡拉蒂为代表的那不勒斯歌剧乐派。

他于1681年创作的歌剧《善善恶恶》确立了歌剧序曲的典型模式，即“快-慢-快”三段式。

这一时期同时也确立了ABA式的咏叹调格式。

此时的音乐常用盛大的场面和合唱，给歌剧带来重音乐、轻戏剧的倾向。

这样的倾向使得歌剧在日后的发展日趋僵硬。

于是到18世纪20年代，遂有取材于日常生活、剧情诙谐、音乐质朴的喜歌剧体裁的兴起。

意大利喜歌剧的第一部典范之作是帕戈莱西的《女佣作主妇》（1733年首演），该剧原是一部正歌剧的幕间剧，1752年在巴黎上演时，曾遭到保守派的诋毁，因而掀起了歌剧史上著名的“喜歌剧论战”。

出于卢梭手笔的法国第一部喜歌剧《乡村占卜师》就是在这场论战和这部歌剧的启示下诞生的。

意大利歌剧在法国最先得到改造，而与法兰西的民族文化结合起来。

吕利是法国歌剧（“抒情悲剧”）的奠基人，他除了创造出与法语紧密结合的独唱旋律外，还率先将芭蕾场面运用在歌剧中。

在英国，普赛尔在本国假面剧传统的基础上，创造出英国第一部民族歌剧《狄东与伊尼阿斯》。

在德、奥，则由海顿、狄特尔斯多夫、莫扎特等人将民间歌唱剧发展成德奥民族歌剧，代表作有莫扎特的《魔笛》等。

至18世纪，格鲁克针对当时那不勒斯歌剧的平庸、浮浅，力主歌剧必须有深刻的内容，音乐与戏剧必须统一，表现应纯朴、自然。

他的主张和《奥菲欧与优丽狄茜》、《伊菲姬尼在奥利德》等作品对后世歌剧的发展有着很大的影响。

歌手所扮演的角色依照他们各自不同的音域(tessitura)、敏捷度、力量和音色(timbre)来分类。

男性歌手由音域低至高分为：男低音、男中低音、男中音、男高音、假声男高音(sopranist/countertenor)。

女性歌手由音域低至高分为：女低音、次女高音以及女高音。

女高音也可细分为花腔女高音和抒情女高音等不同种类。

基本上男声的音域皆低于所有女声，但某些假声男高音能唱到女低音的音域。

而假声男高音唱多见于古代谱写的由阉伶所唱的角色。

在以音域分类后，往往还会加上一些关于唱腔的形容词，如抒情女高音、戏剧女高音、庄严女高音(soprano spinto)、花腔女高音(soprano coloratura)、轻俏女高音(Soprano soubrette)。

这类术语，虽然不能全面形容一把声音，但往往能把不同的声音归类，放入不同的角色当中去。

某些歌手的声音会突然发生剧烈的变化，或者在而立之年甚至人到中年，声音才达致成熟的辉煌状态。

女高音向来是大部分歌剧的女主角的不二人选。

然而在古典主义音乐时期以前，往往对女高音的首要要求的声音控制的技术，而非今日要求的广阔的音域；而当时要求女高音的最高音往往不超过高音A[21]。

而女中音一词，则是一个比较新近的概念，但也不少角色可以担纲，如珀赛尔笔下的蒂朵和华格纳《特里斯坦与伊索尔德》中的布兰甘特(Brangauml;ne)[22]。

女低音可唱的角色，往往比较少，行家往往开玩笑说，女低音只可唱“巫婆、泼妇、(穿)长裤(的角色)”(witches, bitches, and britches)。

而近年，不少原来由女低音或阉伶所唱的角色，皆成假音男高音的囊中物。

而男高音，则自古典音乐时期至今，都是歌剧中的男主角。

很多最具挑战性的男高音角色，都是出自美声歌剧时期，如多尼采蒂在歌剧《军中女郎》 （亦译作《联队之花》）（“La Fille Du Régiment”）中写给男主角的9个连续的高音C。

而华格纳则要求他的男高音主角比一般男高音的分量更重，甚至要人们发明新字“英雄男高音(Heldentenor)”来形容这类角色；和华格纳要求的分量相当的义式歌剧角色也有如，普契尼《图兰多》中的卡拉富。

男低音的历史也是源远流长，在正歌剧时代便作为配角，往往是娱乐观众滑稽角色。

男低音可演的角色也不少，如莫札特《唐·乔望尼》中的利波雷洛和华格纳《尼伯龙根的指环》中的沃坦王。

界乎男高音和男低音中间，便是男中音，一个直至19世纪中叶才出现的概念，著名角色如莫札特《女人皆如此》的古烈摩和《唐·卡洛》中的罗迪戈。

谁知道什么是歌剧？

歌剧是把戏剧、诗歌、音乐、舞蹈和美术结合在一起的一种综合艺术，起源于十六世纪末的意大利。欧洲传统歌剧分为：正歌剧、意大利喜歌剧、法国音歌剧和法国大歌剧等几种体裁。 在十八世纪的意大利，正歌剧非常流行。正歌剧是和宫廷贵族的艺术趣味相适应的，题材大多是希腊神话或历史故事。在形式上注重华丽的演唱技巧。音乐包含序曲、咏叹调、有伴奏的宣叙调、重唱、合唱等。正歌剧不仅盛行于意大利而且还流传到欧洲其他国家，德国、奥地利和法国的作曲家也常采用意大利剧作家的脚本写作正歌剧，用意大利语演唱 歌剧是一门源于音乐发展而来的戏剧舞台表演艺术。 戏剧的演出需凭借剧场的典型元素，如背景，戏服以及表演等。较之不同的是，歌剧中还运用了大量的音乐元素，其表演并不是说出来而是唱出来。歌手由合唱队伴唱，在某些歌剧中，合唱队的阵容甚至达到了整个交响乐团的规模。歌剧有两种传统的演唱形式：宣叙调，类似于普通的朗诵；咏叹调，独唱的乐段。比较短小的唱段有时也称为咏叙调。每一种歌唱方式都辅有乐器伴奏。 歌手所扮演的角色依照他们各自不同的音调分类。男性歌手由低至高分为：男低音，男中低音，男中音，男高音，男最高音。女性歌手由低至毕颤或高分为：女低音，女中音以及女高音。 歌剧中包含着其他多种艺术形式。音乐当然是其主干，但基于其对话式的表演，固戏剧元素在歌剧中也占有较重手伍的分量。另外视觉艺术，比如绘画，被用来展示舞台背景，对于整个表演来讲，其作用不容忽视。最后，舞蹈也经常作为歌剧的一部分参与表演。因此，最著名的歌洞带剧作曲家之一的瓦格纳会在提到歌剧类型时称之为“音乐大合作”（Gesamtkunstwerk）。]

听歌剧的常识

1.怎样欣赏歌剧

常常有人说，外国歌剧实在是太难欣赏了：歌唱家们一个劲儿地卖力气地唱，听者却有如堕入五里雾中，不知所云。

除了其中有几首常见的咏叹调还能听出"好听"来，其他的简直就忍受不下去。但是一旦当你真正了解其中的奥秘后，就会对歌剧这一完美的艺术形式欲罢不能、如痴如醉。

歌剧，早在16世纪时起源于意大利的佛罗伦萨。

英国剧作家约翰·伊维林曾说过："歌剧是人类智慧所能发明的最壮观、最奢华的娱乐之一。"这种独特而奢侈的艺术形式，与其他艺术形式大不相同，即使电影、舞台剧、芭蕾或是音乐会中的音乐都不能与之相提并论。

歌剧中所包含的不同元素独唱、大合唱、重唱、灯光、美术设计、管弦乐、走步以及舞蹈等互相结合，使它成为最受欢迎而又让人神魂颠倒的表演艺术。而著名指挥家伯恩斯坦也曾在一段评论中揭示了歌剧的另一大奥秘："歌剧的巨大的直接力量，一个主要的原因是因为它是唱出来的，这听起来似乎很幼稚，但当培灶你想到所有各种不同的乐器的庞大而复杂的所谓交响乐团，竟没有一种乐器可以和人声的卓越的表现力较量时，你会想到唱有多大的意义。

人声是最伟大的乐器。当这样一种声音，或数个甚至许多声音来承担戏剧的任务，或唱出一个故事，一种情绪时，没有其他的剧种可以比得上它的直接动人的力量。

" 然而对于很少接触西方歌剧艺术中国的观众来说，在不理解任何剧情的基础上听一个晚上的歌剧，就像请一个从来没接触过中国戏曲的外国人去剧院听一晚上京剧，而又不作任何讲解一样，会令人大感困惑的。 对于这种十分渴望能听懂歌剧、并领略其中奥妙的人们，一些专家告以秘诀：多听。

没错，这是必经之途。如果不多从感性上接触它，就永远也无法走进这个世界。

不过，还得加上一条：了解歌剧所表现的内容。或者简单地说，了解歌剧的故事。

因为歌剧是一门综合的艺术。 它和交响乐、室内燃迟乐等纯音乐形式不同，是综合了音乐、戏剧和美术等各门类艺术的体裁。

没有文学剧本这个基础，就无从产生歌剧的音乐；没有戏剧表演（演员的动作、方位的调度或者舞蹈场面等等），就不可能生动而明确地体现出情节和人物的关系；没有美术（包括舞台设计、服装、道具、灯光），也不可能完整地表现出歌剧剧情所发生的环境。 所以，在渴望进入歌剧世界之前，要先做到了解你所要欣赏的歌剧的故事。

打个比方：如果你预先读了威尔第的歌剧《茶花女》的剧本（改编自法国作曲家小仲马的小说），由此了解到这是一部悲剧，它讲述了一个沦落风尘但仍然对纯洁生活怀有希望的 *** 曲折而不幸的经历。 然后，你再去听剧中的那首早就很熟悉了的《饮酒歌》，会不仅仅感受到音乐所传达出来的欢乐，还会对这欢乐背后的东西——茶花女薇奥列塔的强颜欢笑、上流社会纸醉金迷现象所掩盖的空虚，有更深一层的体会。

在听第一幕最后茶花女的大段咏叹调的时候，你会深切地感受到她对幸福、爱情的渴望，和对自己生活现状的无奈、痛心。 当你听到第二幕中茶花女的情人阿尔弗莱德的父亲来找她，要求她离开他的儿子，唱起那首温和的咏叹调时，你会不仅体会出他作为一个慈爱的父亲所产生那种焦虑的心情，也会对这慈爱中隐藏着的残忍、虚伪而皮中李感到愤恨。

当你听到被蒙在鼓里的阿尔弗莱德面对茶花女大声辱骂，使这可怜的女人晕倒过去的那段音乐，以及全剧最后奄奄一息的茶花女在弥留之际终于盼到了心上人，他们唱起凄惨的二重唱的时候，你不再会感到音乐冗长、莫名其妙了，而会对每一条旋律、每一个乐句、甚至对管弦乐队的每一个 *** 、每一个伴奏音型都十分敏感，对作曲家的所有音乐手段都能领会了，歌唱家的演唱为什么有时候高亢兴奋，有时候缠绵哀伤，有时候歇斯底里，有时候断断续续，也都变得有具有特别的意义了。 除了"了解剧情"这个重要的方法以外，我们还应该在欣赏中注意到歌剧艺术所特有的表现手段。

比如，高超的歌唱技巧的展示，咏叹调的戏剧性和抒情性，重唱的立体感、乐队伴奏的情感渲染、气氛烘托等等。如果你听得多了，会对不同作曲家的歌剧写作风格、对同一个作曲家不同作品的特色、不同流派的创作观以及不同歌唱家、指挥家对作品的处理方式有所领会，在比较之中，你对歌剧这门艺术的魅力便会有更深的感受了。

最后要提到的一点是，听歌剧是需要一种感觉的，也可以说是需要一种文化。那是对人生意义的领悟，对整个社会的理解。

在不同人的眼里，人生的意义是不同的，对生活认识的程度也是不同的，所以，对一部歌剧的理解也各不相同。愿我们有这份文化来感受作曲家在歌剧这门艺术中说要告诉我们的一切，接受音乐中的真善美。

歌剧是从听觉和视觉上的欣赏的的艺术。在听到美妙音乐的同时，欣赏演员的形体表演，舞台的设计讲究，不同时代、不同风格的服装，甚至是剧场里的气氛，这些对于我们理解歌剧内容都是有极大帮助的。

歌剧世界是非常迷人的，一旦走进去了，谁都会对它流连忘返。 希望所有喜爱歌剧喜爱音乐的朋友们，都能走进音乐神殿，能够领略歌剧灵魂之精华，用心去聆听那来自云端的歌唱。

2.想了解一些关于歌剧的知识

歌剧（opera）是将音乐（声乐与器乐）、戏剧（剧本与表演）、文学（诗歌）、舞蹈（民间舞与芭蕾）、舞台美术等融为一体的综合性艺术，通常由咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、序曲、间奏曲、舞蹈场面等组成（有时也用说白和朗诵）。早在古希腊的戏剧中，就有合唱队的伴唱，有些朗诵甚至也以歌唱的形式出现；中世纪以宗教故事为题材，宣扬宗教观点的神迹剧等亦香火缭绕，持续不断。但真正称得上“音乐的戏剧”的近代西洋歌剧，却是16世纪末、17世纪初，随着文艺复兴时期音乐文化的世俗化而应运产生的。

歌剧的起源】 1. 歌剧的起源最早可追溯到古希腊时期的悲剧，这种艺术形式是歌剧艺术产生的根源。

2. 中世纪时期的一些音乐形式也为歌剧的产生奠定了基础。首先是10世纪末的宗教剧，后来宗教剧被神秘剧（Mystery）和奇迹剧（Miracles）取代，盛行于14—16世纪；其次是田园剧，这种体裁用音乐、诗歌、戏剧的手段表现乡村生活的场景，它一直盛行到16世纪，成为歌剧的重要起源之一。

3. 文艺复兴时期的牧歌剧也预示着歌剧的诞生。作曲家用牧歌这一体裁形式来谱写诗歌中一些戏剧性场面，或用一组牧歌来描写一些简单的故事情节，后一种形式被成为牧歌剧。

4. 歌剧最直接的起源是15世纪末的幕间剧（Intermedio）。这是穿插在当时喜剧各幕间的一些寓言剧、神话剧或田园剧，到16世纪，各幕之间的幕间剧在情节上组成了一个相关联的故事，并且加入了装饰性的旋律和简单的和声伴奏。

5. 歌剧于16世纪末最终产生与意大利的佛罗伦萨。当时，一群文化艺术界的名人经常在贵族巴尔第（Bardi）和柯尔西（Corsi）家聚会，他们热衷于恢复古希腊的戏剧，力图创造出一种诗歌与音乐相结合的生动艺术。他们认为复调艺术破坏歌词意义的表达，主张采用单声部旋律，并且在实践中发现：在和声伴奏下自由吟唱的音调不但可以用在同一首诗歌中，还可以用于整部戏剧中。随后就产生了最早的歌剧，当时成为田园剧。

歌剧的发展】 17世纪末，在罗马影响最大的是以亚•斯卡拉蒂为代表的那不勒斯歌剧乐派。该乐派在剧中不用合唱及芭蕾场面，而高度发展了被后世称为“美声”的独唱技术。当这种“唯唱工为重”的作风走向极端时，歌剧原有的戏剧性表现力和思想内涵几乎丧失殆尽。于是到18世纪20年代，遂有取材于日常生活、剧情诙谐、音乐质朴的喜歌剧体裁的兴起。意大利喜歌剧的第一部典范之作是帕戈莱西的《女佣作主妇》（1733年首演），该剧原是一部正歌剧的幕间剧，1752年在巴黎上演时，曾遭到保守派的诋毁，因而掀起了歌剧史上著名的“喜歌剧论战”。出于卢梭手笔的法国第一部喜歌剧《乡村占卜师》就是在这场论战和这部歌剧的启示下诞生的。

意大利歌剧在法国最先得到改造，而与法兰西的民族文化结合起来。吕利是法国歌剧（“抒情悲剧”）的奠基人，他除了创造出与法语紧密结合的独唱旋律外，还率先将芭蕾场面运用在歌剧中。在英国，普赛尔在本国假面剧传统的基础上，创造出英国第一部民族歌剧《狄东与伊尼阿斯》。在德、奥，则由海顿、狄特尔斯多夫、莫扎特等人将民间歌唱剧发展成德奥民族歌剧，代表作有莫扎特的《魔笛》等。至18世纪，格鲁克针对当时那不勒斯歌剧的平庸、浮浅，力主歌剧必须有深刻的内容，音乐与戏剧必须统一，表现应纯朴、自然。他的主张和《奥菲欧与优丽狄茜》、《伊菲姬尼在奥利德》等作品对后世歌剧的发展有着很大的影响。

19世纪以后，意大利的g.罗西尼、g.威尔迪、g.普契尼，德国的r.瓦格纳、法国的g.比才、俄罗斯的m.i.格林卡、m.p.穆索尔斯基、p.n.柴科夫斯基等歌剧大师为歌剧的发展作出了重要贡献。成型于18世纪的“轻歌剧”（operettta，意为：小歌剧）已演进、发展成为一种独立的体裁。它的特点是：结构短小、音乐通俗，除独唱、重唱、合唱、舞蹈外，还用说白。奥国作曲家索贝、原籍德国的法国作曲家奥芬·巴赫是这一体裁的确立者。

20世纪的歌剧作曲家中，初期的代表人物是受瓦格纳影响的理查·施特劳斯（《莎乐美》、《玫瑰骑士》）；第一次世界大战后是将无调性原则运用于歌剧创作中的贝尔格（《沃采克》）；40年代迄今则有：斯特拉文斯基、普罗科菲耶夫、米约、曼诺蒂、巴比尔、奥尔夫、贾纳斯岱拉、亨策、莫尔以及英国著名的作曲家勃里顿等。

3.听歌剧,如何起步

1、听之前多了解一些信息，比如听《卡门》、《茶花女》，可以读一读小说、歌剧脚本，再读一下作曲家简介、作品简介。

2、心静的时候听，集中心思听，从头到尾完整听，多听几遍。 3、最好先听CD。

很多人听CD能找到感觉，一看到DVD画面上那些肥胖的女高音，兴致全无。 4、每种歌剧，先听名版。

有条件时，听听二流指挥家、歌唱家的诠释。对比之下，你能发现名版的妙处所在。

这往往也是歌剧的精华所在。 5、不要先听《图兰朵》，这部作品有点晦涩、艰深（世界公认的），尽管故事发生在中国，并有“今夜无人入睡”的名段。

4.关于歌剧知识

歌剧是把戏剧、诗歌、音乐、舞蹈和美术结合在一起的一种综合艺术，起源于十六世纪末的意大利。

欧洲传统歌剧分为：正歌剧、意大利喜歌剧、法国音歌剧和法国大歌剧等几种体裁。 在十八世纪的意大利，正歌剧非常流行。

正歌剧是和宫廷贵族的艺术趣味相适应的，题材大多是希腊神话或历史故事。在形式上注重华丽的演唱技巧。

音乐包含序曲、咏叹调、有伴奏的宣叙调、重唱、合唱等。正歌剧不仅盛行于意大利而且还流传到欧洲其他国家，德国、奥地利和法国的作曲家也常采用意大利剧作家的脚本写作正歌剧，用意大利语演唱。

德国作曲家韩德尔写过四十多部歌剧，其中绝大部分是正歌剧。他的正歌剧《李纳尔多》取材于文艺复兴时期意大利诗人塔索的叙事诗《耶路撒冷的得救》，由意大利人罗西写作歌词。

内容描写十字军时期。巴勒斯坦的圣殿武士李纳尔多爱上了贵族少女阿尔米累娜。

但阿尔米累娜是女巫阿尔米达的宠儿，女巫把她藏在魔园里，不让李纳尔多把她带走。异教国王阿尔甘特是女巫的情人。

他生性好色，又看中了魔园里的阿尔米累娜。当阿尔米累娜正对自己和李纳尔多的爱情陷于绝望时，李纳尔多前来救出了她，并把阿尔甘特和女巫囚禁起来，使他们改邪归正。

被藏在魔园里的阿尔米累娜悲叹自己的命运时唱了一首咏叹调。在歌剧中，咏叹调是最能体现主人公性格和思想感情的声乐独唱曲，相当于话剧中的独白。

正歌剧的咏叹调通常采用三段式结构，第三段的歌词和音乐原封不动地反复第一段。主角在演唱时可以把旋律随意加花，并在适当的地方即兴演唱华彩段。

阿尔米累娜的咏叹调采用西班牙缓慢的三拍子舞曲萨拉班德的节奏。阿尔米累娜是女高音，她在这首咏叹调中唱道： 让我痛哭吧，命运太残忍，手脚被捆住 我不得脱身！啊，只有死亡能得到怜悯 对待我的不幸，是一片冷漠无情。

莫扎特也写过两部正歌剧：《伊多美内奥》和《体托的仁慈》。他在临死的一年哪1791列创作了《体托的仁慈》。

当时，正歌剧已经趋于衰落。一百多年来这部歌剧很少演出，但在最近二十年间又重新引起人们的注意，并恢复上演，被认为是莫扎特最优秀的歌剧之一。

这部歌剧描写贵妇人维退丽雅因为没有被罗马皇帝体托选中为皇后而怀恨在心，唆使她的情人塞斯托去谋害体托。经过了许多纠纷。

体托终于废弃了原订的婚约，并宽恕了塞斯托和维退丽雅。第一幕维退丽雅的咏叹调，具有精致的旋律，充分发挥了女高音的演唱技巧。

莫扎特没有采用传统正歌剧常用的原封不动反复第一段的三段式，而是用了具有广阔发展的二段式，全曲分为一慢一快的两部分。维退丽雅在这首咏叹调中要塞斯托克服疑虑，为她的阴谋卖力。

如果要我爱你，快收起你的猜忌 我不能再忍受你的讨厌的怀疑。 信任别人的人，才能取得信任 常常害怕受骗，结果骗了自己。

和正歌剧相对的是喜歌剧。喜歌剧有两种主要类型，即意大利喜歌剧和法国喜歌剧。

意大利喜歌剧由插在正歌剧幕与幕之间演出的短小音乐喜剧发展而成。十八世纪意大利作曲家佩戈莱西的《婢作夫人》是第一部独立的意大利喜歌剧。

但1733年第一次上演时，仍然是作为正歌剧《高傲的囚徒》的幕间戏演出的。意大利喜歌剧的剧情富于风趣，常取材于社会生活；音乐生动活泼、短小精悍，包含宣叙调、咏叹调和重唱，说白用无伴奏宣叙调唱出。

意大利喜歌剧因富于生活气息而受到新兴资产阶级的欢迎，所以当十八世纪末、十九世纪初，正歌剧已经趋于衰亡的时候，意大利喜歌剧还盛行于欧洲许多国家。莫扎特的《费加罗的婚礼》、《唐璜》、罗西尼的《塞维尔理发师》，是生命力特别强盛的几部意大利喜歌剧，一直到现也还在世界歌剧舞台上经常演出。

《塞尔维理发师》取材于法国喜剧作家博马会的同名戏剧，描写顽固保守、专横自私的巴尔托洛医生，想把处于他保护下的贵族少女罗西娜占为妻子，因此对她防范很严。阿尔马维瓦伯爵热烈追求罗西娜，他在聪明机智的理发师费加罗的帮助下，战胜了巴尔托洛，赢得了罗西娜的爱。

在第一幕第一景中，伯爵在罗西娜的窗前唱小夜曲，向她倾吐爱情，并告诉她说，他的名字叫林多洛。第一幕第二景开始时，罗西娜手里拿着一封写给林多洛的情书，唱了一首优美动人的卡伐梯那，表现她对伯爵一见倾心，并想方设法，来对付保护人的阻挠。

卡伐梯那是一种形式比咏叹调自由、旋律灵活多变的独唱曲。罗西娜的卡代梯那，是一首花腔女高音的抒情独唱曲，分为行板和中板两部分；旋律精致，富于华彩。

行板部分在富于强弱对比的乐队前奏后，罗西娜唱道：。

5.有关于歌剧的一切内容

歌剧故名思议就是一段完整的故事用歌唱的形式在舞台上表演的一种舞台艺术形式.象《白毛女》《刘三姐》《红珊湖》《洪湖赤卫队》等都用歌剧形式在舞台和银幕上表现过.歌剧应该有完整的故事情节，剧中人物的矛盾冲实和交流都是用歌唱来表现的，歌词是叙述性地唱出人物内心活动和要表述的内答，独白很少，大部分是唱。

歌剧中的歌词作曲要与整个剧的主旋律相吻合，每个唱段基本上构成完整的一首歌，如《白毛女》中的插曲《扎头绳》，《洪湖赤卫队》中的插曲《洪湖水浪打浪》等就几十年经久不衰，哙至人口.歌剧的人物表演不同于戏曲有水袖，身段，台步，招式等，它的表现是生活中的程式化，表演略有夸张，乐曲闻歌起凑，对白只有背景乐.。

西方音乐史上最早的歌剧是哪一部？

《达芙尼》

相关介绍：

取材宴陵自古希腊神话的《达芙尼（Dafne）》于1597年首演时，风评一片赞好，皆认为“成功复活了古希腊的戏剧精晌拿戚神”。是历史上第一部歌剧，由雅各布·佩里（Jacopo Peri）作曲。

16世纪末，在意大利的佛罗伦萨有一群人文主义学者组成了“卡梅拉塔同好社”的团体，以复兴古希腊的舞台表演艺术，全部剧情皆以歌曲交代。

扩展资料

相关背景：

随着文艺复兴时期音乐文化的世俗化而应运产生的。歌剧被视为西方经典音乐传统的一部分，因此和经典音乐一样，流行程度不及当代流行音乐，而近代的音乐剧被视为歌剧的现代版本。

意大利歌剧的主流一直是正歌剧，直敏大至格鲁克在1760年代推出的“革新歌剧”，以对抗正歌剧的矫揉造作。而今天依然著名的18世纪歌剧巨匠，显然是莫扎特。莫札特少年时先以正歌剧起家，既而以意大利语喜歌剧。

《达芙尼》最终不幸失传，但佩里的另一套首演于1600年的歌剧《尤丽狄茜》至今仍偶有排演。但今天歌剧界最古老的标准保留剧目的歌剧。

参考资料来源：百度百科-歌剧

关于歌剧是谁发明的和歌剧的创始人的介绍到此就结束了，不知道你从中找到你需要的知识了吗？如果你还想了解更多百科问答相关的内容，记得收藏关注本站。