节拍是谁发明的（节拍器发明者）

admin 发明家 2023-05-06 14 0 节拍是谁发明的

本篇文章给大家谈谈节拍是谁发明的，以及节拍器发明者对应的知识点，希望对各位有所帮助，不要忘了收藏本站喔。

文章目录：

1、音乐常识的总结，谢谢啦！！
2、初学者如何跟节拍器
3、音乐是谁发明的
4、节拍器最早是在什么时候出现的

音乐常识的总结，谢谢啦！！

一、怎样聆听音乐：

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我们每个人都根据自己不同的欣赏握敏裂能力倾听音乐。不过为了便于分析起见，如果我仍把倾听音乐的全过程分成几个组成部分，那就比较清楚了。从某种意义上说，我们全是在三种不同的阶段上倾听音乐的。由于缺乏恰当的术语，不妨把这三个阶段称为：（1）美感阶段；（2）表达阶段；（3 ）纯音乐阶段。把欣赏过程机械地分为这几种假设的阶段，唯一好处是可以对倾听的方式有个比较清楚的概念。

倾听音乐的最简单的方法就是纯粹为了对音响的乐趣而倾听，这就是美感阶段。在这个阶段听音乐，不需要任何方式的思考，我们在干别的事情时，把收音机打开，便心不在焉地抗浸在音响中了。这时单凭音乐的感染力就可以把我们带到一种无意识的然而又是有魅力的心境中去了。

你此刻可能正坐在屋里看这本书。设想钢琴上奏出了一个音,这个音是足可以立即改变房间的气氛枣证明音乐的音响成分是一种强大的和神秘的力量，谁嘲笑或小看这点，谁就会显得很愚蠢。

令人惊讶的是，不少自从为是合格的音乐爱好者在这个阶段养成了不良的听音乐的习惯。他们去听音乐会是为了忘掉自己，把音乐作为一种安慰或解脱。他们进入了一个理想世界，在这个理想世界中人们无需思考日常生活中的现实。当然他们也没有思考音乐。音乐允许他们离开了音乐，把他们带到了一个幻想的境界，这种幻想是由音乐引起的，是关于音乐的，可是他们又不怎么倾听音乐。

是的，音乐音响的感染力是一种强大的和原始的力量，但你不应让它在你的兴趣中占据不恰当的位置，美感阶段在音乐中占有非常重要的位置，但这并不是全部问题的所在。

关于美感阶段无需扯得太远。音乐的感染力对每个正常的人来说都是不言而喻的。然而还存在着对不同作曲家使用的不同音响素材更为敏感的问题。因为并不是所有的作曲家都用同一种方法使用音响素材的。不要以为音乐的价值相当于它诉诸美感的程度，也不要以为最好听的音乐是由最伟大的作曲家写的。如果确实如此的话，拉威尔就应该是比贝多芬更伟大的创作家了。问题在于作曲家使用音响要素的方式因人而异，他对音响的使用方式形成了他的风格的一个组成部分，这一点在聆听音乐时是必须加以考虑的。所以，读者可以看到，即使在聆听音乐的这个初级阶段，也值得采取更有意识的聆听方式。

倾听音乐的第二个阶段即我所说的表达阶段。在这里我们马上会碰到引起争论的问题。作曲家倾向于回避讨论有关音乐所表现的内容，斯特拉文斯基自己不是宣称过他的作品是有它本身的生命的"物体"，"东西"，而且除了它本身的纯音乐存在之外一没有任何其它意义了吗？他的这种不妥协的态度可能是基于这样一种事实：有那么多的人都试图对那么多的作品加以各种不同的解释。天知道要想用自己的解释准确地、明确地、最终地说清楚一首音乐作品的涵义何在从而使每个人都感到满意该有多么困难。但不应该导致另一个极端，即否认音乐有"表达"的权利。

我自己认为，所有的音乐都有表达能力，有的强一段闭些，有的弱一些，所有的音符后面都具有某种涵义，而这种涵义毕竟构成了作品的内容。全部问题可以用下面的问答式简单地加以说明："音乐有涵义吗？"我的回答是："有的"。"你能用言语把这种涵义说清楚吗？"我的回拿禅答是："不能"。这就是症结所在。

那些头脑简单的人对第二个问题的回答永远不会感到满意。他们总是希望音乐具有一种涵义，这种涵义愈具体，他们就愈喜爱它。愈能使他们想起一列火车、一场风暴、一次葬礼或任何其它比较熟悉的概念的乐曲，他们就愈觉得富有表现力。这种对音乐具有涵义的流行概念----通常是由普通的音乐评论员激发和唆使的----应该随时随地给以纠正。有一次一位胆小的女士向我供认，她担心自己的音乐欣赏力有严重的缺陷，因为她不能把音乐与某种明确的东西联系起来。这当然是把整个问题引向倒退了。

不过，问题还是存在的。那些明智的音乐爱好者在要求任何一首作品都具有明确的涵义方面要走多远呢？我说，充其量不过是一种一般的概念。在不同的时刻，音乐表达了安详或洋溢的情感、懊悔或胜利、愤怒或喜悦的情绪。它以无数细微的差别和变化表达其中的每一种情绪以及许多别的情绪，它甚至可以表达一种任何语言中都找不到适当的言词的涵义。在这种情况下，音乐家喜欢说音乐只有纯音乐的涵义。他们有时甚至更进一步说所有的音乐都只有纯音乐的涵义。他们的真正的意思是说，找不到恰当的言词来表达音乐的涵义，并且即使能够找到，也没有必要去找。

不过不管专业音乐工作者怎么讲，大多数初学音乐的人还是要制订明确的言词来说明他们对音乐的反应。因此他仍总是觉得"理解"柴科夫斯基要比"理解"贝多芬容易些。首先，为柴科夫斯基的一首乐曲制订内容明确的涵义要比为贝多芬的这样做容易些，容易得多。尤其是，就这位俄国作曲家来说，每当你回到他的一首乐曲上去的时候，它几乎总是向你述说着同一件事情；而你要想说清贝多芬在讲什么却经常是很困难的。任何音乐家都会告诉你，这就是为什么说贝多芬是更伟大的作曲家的缘故。因为每次都向你述说同样内情的乐曲很快会变成枯燥的乐曲；而每听一次都能有细微不同涵义的乐曲则具有更强的生命力。

如果可能的话，你不妨听一下巴赫《平均律钢琴曲集》中的四十八个赋格主题。一个主题接一个主题地听。很快你就会意识到每一个主题都反映着一种不同的情绪。你还会很快地意识到，主题愈是动听，就愈难找到能使你完全满意的言词来描述它。是的，你当然知道它是快活的还是悲哀的。换言之，围绕着这个主题可以在自己的头脑中构成一幅感情的框框。现在进一步研究一下悲哀的主题，尽力抓住它的确切的悲哀的性质。是悲观主义的悲哀还是听天由命的悲哀；是致命的悲哀还是带微笑的悲哀？

让我们假定你现在很幸运，你能用许多话把自己选择的主题的确切涵义描述得使自己满意，但是这并不保证使别人满意，别人也不必要满意。重要的是每个人都能使自己感觉到一个主题或整首乐曲所表达的特性。如果那是一首艺术巨作，每当你再听它的时候，本要期望它都意味着完全相同的事物。

当然，主题或乐曲不必只表现一种情绪。以《第九交响曲》的第一主要主题为例，很明显，它是由不同的成分构成的，叙述的也不只是一件事。然而不管是谁听它, 都会马上有一种力量的感觉, 一种有力的感觉。这种感觉并不单纯出于演奏的强大音响。这是主题本身所固有的力量。这主题的非凡的力量和活力给听众的印象好像是发生了

一项强有力的声明。不过决不要试图把它归结为"致命的生命之锤"，等等。这就是麻烦开始的地方。音乐家在激怒中说音乐除了音符本身之外什么也不是，而非专业音乐工作者则过分焦急地渴望着任何可以使自己更接近于这首乐曲的涵义的解释。

读者现在也许会进一步了解我所说的音乐确实能表达一种涵义，但又不能用很多言词来说明其涵义是什么。

倾听音乐的第三阶段是纯音乐的阶段。音乐除了令人愉快的音响和所表达的感情外，还存在于音符和对音符的处理之中。大多数听众并不能充分意识到这第三阶段。本书的主要目的就是要使他们进一步在这个水平上认识音乐。

另一方面，如果稍有区别的话，专业音乐工作者又太注意音符了。他们经常陷入下述错误，即全神贯注于琶者和断奏，从而忘了他们所演奏的乐曲的更深刻的方面。但从外行的角度来看，提高自己对正在演奏的音符的理解比克服纯音乐阶段的坏习惯更为重要。

当一个人在街上稍微注意地聆听"音符"时，他很可能会提到这支旋律。他听到的是一支美妙的旋律，或者不是，一般地说，他就不再去想它了。其次他注意到的很可能是节奏，特别是如果这种节奏令人兴奋的话。而和声与音色常常被认为是理所当然的，如果想到它们的话。至于这音乐是否有某种明确的形式，他好像从来没有考虑过。

我们大家都应当更多地在纯音乐阶段感受音乐，这一点非常重要。毕竟，人们使用的是实际的音乐素材。明智的聆听者必须准备加强自己对音乐素材及其发展情况的意识。他必须更有意识地聆听旋律、节奏、和声及音色。尤其重要的是，为了追随作曲家的思路，必须懂得一些音乐曲式的原理。聆听这一切要素就是在纯音乐的阶段欣赏音乐。

让我再重复一遍，我们是为了听得更清楚才把聆听音乐机械地分成三种不同的阶段的。实际上，我们从来不单独在一个阶段上聆听音乐。我们所做的是使各个阶段相互联系----同时以三种方式聆听。这不需要思考，凭直觉就会这样做的。

与我们坐在剧院里看到的情况相比较，也许会搞清楚这种直觉的相互联系。在剧院里，你会注意到那些男女演员、服装和道具、音响和动作。这一切都会使人感到剧院是个令人愉快的地方，并构成我们对剧院的反应中的美感阶段。

从你对舞台上发生的事情的感觉中可以得出在剧院中的表达阶段，你被感动得产生怜悯，兴奋或快活的情绪，这种台词之外的、舞台上的某种令人激动的东西所产生的总的感情，与在音乐中的表情的性质是相类似的。

剧情与剧情的发展相当于我们所说的纯音乐阶段。剧作家在塑造和发展角色方面与作曲家在创作和发展一个主题方面所采用的手法完全相同。你将根据你对这两种艺术家在处理素材的手法方面的认识程度成为一个更明智的聆听者。

可以明显地看出，常去剧院的人从来不会分别地意识到这些要素，他同时意识到各个方面。这个道理也适于聆听音乐。我们同时地、不加思考地在这三个阶段上聆听。

从某种意义上说，理想的聆听者是同时既能进入音乐又能超脱音乐的，他一方面品评音乐，一方面欣赏音乐，希望音乐向这一方面进行，又注视着音乐向另一方向进行----就像作曲家在创作音乐时那样；因为作曲家为了谱写自己的乐曲，也必须进出于自己的乐曲，时而为它所陶醉，时而又能对它进行冷静的批评。在创作和欣赏音乐时要同时具有主观的和客观的态度。

所以，读者应当更积极地去聆听。不管你听的是莫扎特的还是埃林顿公爵的作品，只有当你成为更自觉的、更有意识的聆听者--不仅在听，而且在听某些事物的时候----你才能加深对音乐的理解.

---------------------------------------------------------------------------------二、音及音高

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音是由于物体的振动而产生的。在自然界中能为我们人的听觉所感受的音是非常多的，但并不是所有的音都可以作为

音乐的材料。在音乐中所使用的音，是人们在长期的生产斗争和阶级斗争中为了表现自己的生活和思想感情而特意挑选出

来的。这些音被组成为一个固定的体系，用来表现音乐思想和塑造音乐形象。

音有高低、强弱、长短、音色等四种性质。

音的高低是由于物体在一定时间内折振动次数（频率）而决定的。振动次数多，音则高；振动次数少，音则低。

音的长短是由于音的延续时间的不同而决定的。音的延续时间长，音则长；音的延续时间短，音则短。

音的强弱是由于振幅（音的振动范围的幅度）的大小而决定的。振幅大，音则强；振幅小，音则弱。

音色则由于发音体的性质、形状及其泛音的多少等不同。

音的以上四种性质，在音乐表现中都是非常重要的，但音的高低和长短则具有更为重大的意义。试以《社会主义好》这首

歌为例，不管你用人声来演唱或用乐器来演奏，用小声唱或是大声唱，虽然音的强弱及音色都有了变化，仍然很容易辨

认出这支旋律。

但是，假如将这首歌的音高或音值加以改变的话，则音乐形象就会立即受到严重的破坏。

因此，不管创作也好，演奏演唱也好，对音高和音值应加以特别的注意。

由于音的振动状态的规则与不规则，音被分为乐音与噪音两类。音乐中所使用的主要是乐音，但噪音也是音乐表现中不

可缺少的组成部分。

在我国民族音乐里，噪音的使用具有相当丰富的表现能力。如在戏曲音乐中，打击乐器在其他艺术表现手段的配合下，

在塑造人物形象，表现各种思想情感方面，

其作用是异常明显的，这是世界音乐文化中非常具有特色的一部分，是值得我们很好地研究和学习的。

节拍是谁发明的（节拍器发明者）

初学者如何跟节拍器

跟节拍器练节奏时，可借用节拍器固定的节奏点来训练和固定内心的节拍迟段备感，慢慢养成数拍子的习惯，可以稳定内心的节拍感，

节拍器是利用摆的等时性控制节拍声来计时的仪器，节拍器是一种能在各种速度中发出一种稳定的节拍的机械、电动或电子装置，1696年巴黎人E.卢列创制码毁第一架节拍器后，这种装置的种类很多，最普遍使用的是1816年由奥地利人J.N.梅尔策尔发明的节拍器。

节拍器（Metronome）又叫拍子机，是一种能规律发出声音或视觉效果来显示节拍的器材，用来提供一个稳定燃悄的节拍和速度，音乐上以每分钟几拍（Beats Per Minute，BPM）来计算速度。

来自阿姆斯特丹的Dietrich Nikolaus Winkel老先生在1812年发明了节拍器。

音乐是谁发明的

音乐发明之最

1.最早的节拍器

发明于1816年，发明者是德国的约翰·内波穆克·梅尔采尔。他是机械乐器的创制人，曾研制出百音琴（即机械乐队）、助听器以及音乐节拍器。1816年，他发明的第一只较为完善的节拍器在奥地利首都维也纳首次与公众见面，从此，节拍器就不胫而走，成为全世界音乐爱好者的宠物。

2.最著名的三位小提琴制作大师

钢琴被称为乐器之“王”，小提琴则是乐器之“后”。小提琴艺术的发展是和小提琴的制作与革新休戚相关的。此举的有功之臣是意大利著名的提琴制作师安东尼奥·斯返缺特拉第瓦利（1644—1737），他将小提琴持琴法从膝头移至夹在颚部。此外，在小提琴制作史上还有两个伟大的人物，他们是阿玛蒂和瓜尔涅利。这三位提琴制作大师均居住在意大利北部的克雷莫纳小镇。现在，出自克雷莫纳三位制漏祥辩作大师之手的提琴，往往价值数10万元。它们之所以如此昂贵，除了音乐上的实用价值外，本身还是一件造型优美的艺术品。

3.最有贡献的管乐器音键系统发明者

木管乐器从雏形到基本定型，经历了几个世纪，在改革发明者中成就最大的是德国慕尼黑的长笛演奏家、乐器改革家塞奥尔德·波姆。他试制成功了环键式长笛，设计了一整套合理的新指法，并从理论上取得了长笛近吹口四分之一部、管径接近于抛物线的精确数据，把管体的四分之三改为圆柱形管，使长笛的有效管长达到管径的30倍，从而使各音的八度关系都准确了。此外，他还把椭圆形的吹孔改成圆角矩形，并加大了音孔的直径，使音色更丰满、明亮。后来人们称他研制的长笛机械机构体系为”波姆体系“，并移植到其他木管乐器上，使木管乐器的结构基本达到完善。

4.最早的录音装置

美国人托马斯·阿尔巴·爱迪生在1877年设计的留声机，是世界上最早的录音装置。同年12月6日，爱迪生的助手、机械工人约翰·克卢西制造出了第一台样机，并用这台样机录制了爱迪生唱的歌《玛莉的山羊》。1878年4月24日，爱迪生留声机公司在纽约百老汇大街成立，并开始销售业务。他们将这种留机和用锡箔成的很多圆筒唱片配合起来，出租给街头艺人。最早的家用留声机，是1978年生产的爱迪逊·帕拉牌留声机，每台售价10美元。

5.最早的弦乐四重奏

18世纪以前的“原始乐队”并没有任何固定的编制，乐队成员的多少和乐器的种类，是由贵族雇用乐队的条件或作曲家的要求而确定的。

1755年，23岁的奥地利作曲家海顿受聘于冯贝格伯爵，在宫廷里专职作曲。当时的器乐曲流行用由两只小提琴合奏同一旋律，用大键琴伴奏。由于大键琴的音量较弱，低音部分有时就得用大提琴来加强。冯贝格伯爵的乐队一共只有四个人，两个小提琴、一个中提琴和一个大提琴，没有大键琴。这样的一个乐队编制使海顿颇伤脑筋。经过反复的研究，他把两只小提琴分为两个声部，让中提琴充当内声部，使和声效果更为丰富，彻底用大提琴替代大键琴来演奏低音部。于是，第一个弦乐宴余四重奏团成立了。

海顿一生中共谱写了77首弦乐四重奏曲。迄今，弦乐四重奏仍一直被认为是最高雅、最富于表现力的一种音乐形式。

6.最快速度的钢琴调律

现代钢琴的弦架是铸铁制件，而老式的弦架由于材料和结构不合理，琴弦很容易走音，往往在音乐会的幕间还得临时调音。因此，早期的钢琴独奏音乐会，演奏者必须聘用一位钢琴调律师随场，以保证钢琴音调的准确性。

基于以上原因，乐器改革者曾别出心裁地进行了一系列革新，但大多以失败告终。由此，关于钢琴音色与音准问题，唯一可以改进的就是调律师的技术。第一是调律师的音准概念；第二是调音的速度。

1980年，美国纽约的但丁钢琴厂曾举办了一次专业调律师比赛。比赛的方法是：将所有参赛用钢琴调高一个半音，要求调律师在最快的时间内将所有音恢复到原来的音高。最后，调律师史蒂夫·费尔查尔特创造了4分20秒的最快调律速度而夺得桂冠。

7.最长的休止符

美国音乐家约翰·凯奇（1912－）是一位孜孜不倦的音乐试验家，他摒弃了传统的演奏技巧和作曲技法。以“加料钢琴”的先驱者出名，“加料钢琴”就是在传统钢琴的弦上或各弦之间，放上各种不同的物体，从而改变原来的音响和音色。

凯奇研究了机遇音乐、电子音乐的无音乐，这些音乐都缩小或间接地排除了作曲家的作用。他的作品《4分33秒》是最著名的、前所未有的无声乐曲，该曲的休止符长达4分33秒，创最长休止符的世界记录。

8.最早的磁带录音机

最早使用磁带的录音机，是“布拉特纳冯”型录音机。1929年，在英国埃尔兹利的布拉特纳色彩和音响摄影棚，为了使音响和摄影能够同步，使用了这种磁带录音机。这是在德国音响技师克尔特·休蒂雷的专利基础上，由制作人路易斯·布拉特纳设计的，也是最早采用电子放大器的录音机。1931年，英国广播公司购买了布拉特纳的第一台磁带录音机。

9.中国大锣

中国锣是人们非常熟悉的打击乐器，它是中国人在音乐方面的一项伟大发明。迄今为止，最早的出土实物是广西贵县泊湾一号古墓的西汉初期的一面铜锣，距今已有2000年的历史了。

有位外国音乐家曾说过：“一个交响乐队，没有一面中国大锣，就未免有些逊色。”俄罗斯著名作曲家柴科夫斯基（1840—1893）创作的《第六交响曲》（“悲怆”）中，恰到好处地运用了中国大锣，深深地打动了听众的心弦。世界上最古老的交响乐团——德累斯顿交响乐团使用的一面中国大锣，是我国清朝时制造的，它是进入西洋管弦乐队的第一件中国乐器。直到今天，大锣仍然是西洋管弦乐队和交响乐队必备编制中唯一的中国乐器。

10.近代音乐方面最伟大的发明

比利时人萨克斯于1840年发明的萨克管，被公认为几百年来在乐器方面最伟大的发明。萨克管是发明者萨克斯结合了铜管乐器和木管乐器的部分构造而创制的，它通过吹奏单簧片来发音，演奏方式类似木管乐器；但管身为铜制，乐器的发音方式更类似铜管乐器。这种乐器的音质浓厚、色彩丰富，是很受人们欢迎的新型乐器。到了本世纪，由于爵士音乐的盛行，萨克管日益成为现代音乐中的重要乐器。